光影交錯。隨筆

    陳正道執導的《重返20歲》是一部裝滿著懷舊，亦俗得剛好的愛情喜劇。

    《重返20歲》最深情的懷舊呼喊在於，如果能夠回到20歲，你想要做什麼？對於過去記憶中那些曾經錯過與失去的，在重新有了氣力與時間後，你願不願意重新做選擇同時也重拾過去捨棄的夢想？《重返20歲》就利用了歸亞蕾所飾演的沈孟君，在年紀早已70有餘時，透過一家青春照相館，神奇的讓自己的容顏回到20歲的面貌(由楊子珊飾演)成為孟麗君，也讓孟麗君從此有了能夠改變命運的力量。

    沈孟君是如何靠著時光相機回到20歲，從來不是《重返20歲》裡的重點，重點是在於重返20歲後，成為孟麗君的沈孟君她能夠或是想要做什麼？導演陳正道就用了時光的對比來呈現沈孟君的選擇。

    首先是外型，沈孟君換掉了穿了好幾年的破鞋子，開始透過穿新衣、換髮型重新妝點自己，只因為當年自己最美的時候、能打扮的時候迫於生活艱苦，早己錯過。但是，沈孟君的選擇並不是追求時下的潮流，她換上的旗袍「新衣」，穿上不再開口笑的「新鞋」，甚至請人設計的俏麗「新髮型」，全部都有著濃濃的復古懷舊味，這些裝扮或許在現在人裡看起來不合時宜，可是在當年，這些全都是最流行的款式與造型。這種新與舊之間的差異性，讓孟麗君在戲裡的扮像，從70歲相較於20歲，過去到現代，再從自己相較於其他人，就有著時間對比的不同趣味存在。

    其次是音樂，沈孟君的孫子─項前進(由鹿晗飾演)是樂團團長，只可惜寫出的詞曲創意有限，再加上主唱因故離去，簡直就讓前進樂團潰不成軍。此時正好前進偶然聽到了孟麗君在老年中心演唱鄧麗君的《償還》，驚為天人，便邀請孟麗君加入樂團成為主唱，此舉不但拯救了前進樂團，更是圓了沈孟君過去想唱歌無法唱，喜歡唱歌卻無人可聽的演歌夢。

華納影業重新打造的《哥吉拉》，果然與1998年好萊塢式的《酷斯拉》截然不同，不再是由怪獸酷斯拉獨自大鬧城市，而是讓哥吉拉成為另類的救世英雄，相信這次在2014年重新開機、忠於原作的《哥吉拉》應該會讓對於厭惡《酷斯拉》好萊塢式的改編的怪獸影迷大大改觀。

2014年的《哥吉拉》依舊主打的是怪獸肆虐城市的災難特效，但不同的是，全片圍繞的大量的反核意識（在原作本來哥吉拉就是為了反核而創造出來的怪獸），從核電廠到核彈，每一項人類所做有關核能的決定都有著致命性的傷害，而且這傷害小至家庭破碎，大致城市毀滅甚至還能動搖國家的存亡，再加上好萊塢強大的視覺特效加持，栩栩如生的浩大場面伴隨著怪獸電影之名行反核能思想之實呈現在觀眾面前。

對照於近期台灣反核四的聲浪而言，頗有許多不謀而合之處，這另類的實事結合也代表著核能的爭議性並不只有在台灣存在，反核的意識早已是全球浪潮，也因此好萊塢才願意拍攝此題材，畢竟在社會進步與環境保護之間本就有許多的衝突與矛盾，如何在兩者之間取捨或找尋一個折衷的辦法都是現在社會所要面臨的考驗。

核能若是運用得宜，或許是能夠維持不斷供給現代社會所需大量能量的領頭羊；反之，若一有閃失，核能所引起的災害就會像怪獸「穆透」過境般肆無忌憚在我們的城市上破壞，但到時應該也真的不會有哥吉拉來擊倒這隻核能巨獸吧？

        有了成功的案例，片商自然就想沿著相同的脈絡拍攝續集或是前傳，試圖延伸成系列電影進而再創票房佳績。正如同有了《厲陰宅》這個成功的前例後，在戲中高人氣的配角鬼娃娃－安娜貝爾，就扶配為主成為《厲陰宅》的前傳主軸。但《厲陰宅》之所以恐怖與賣座，完全要歸功於導演溫子仁對於鬼片類型電影的熟稔與再重組，沒有了溫子仁的風格與拼貼，承襲自《厲陰宅》令人詭譎的安娜貝爾即使轉換成獨立的前傳，解謎的趣味有了但驚嚇的能量卻降低了不少。

        《安娜貝爾》最大的破綻關鍵在於戲裡所有較有創意或是驚悚的片段，幾乎有九成全剪進了預告，其它未剪進預告裡的地方就只剩下劇情的鋪陳與尖叫加咆哮，甚至連利用縫紉機的運作聲營造壓迫的氣氛也都放置預告中，相信預告剪輯者把所有能營造驚喜（嚇）的素材全用上了，片商應該也有著十足的信心相信觀眾絕對會為了《厲陰宅》這塊金字招牌進場看《安娜貝爾》，不過，實際上有沒有達到《厲陰宅》的水準，似乎又是另外一回事了。

        我曾經在《陰兒房2：陰魂守舍》的文章內裡提到溫子仁的鬼片創作手法有二：一是以科學服人；二是以靈媒嚇人。但是在《安娜貝爾》裡，幾乎完全看不到導演有承襲到這兩個手法，抑或是有自己一套專屬於自己的方式，只是不斷的用邪教的扭曲教義與異象的純粹邪惡來加強電影的恐怖張力，到最後衍生至只有奉獻靈魂才能平息惡靈糾纏的無力感，這些基本元素都能夠在不少鬼片中看過，只是這樣的循序漸進，這樣的劇情走向，並不能讓《安娜貝爾》走出《厲陰宅》所創下的「精彩」紀錄，打造專屬於《安娜貝爾》的邪惡風格。

        此外，安娜貝爾之所以在《厲陰宅》裡受到觀眾廣大的迴響，完全是因為對於觀眾而言，她就是未知恐怖的代表，除了電影開頭的護士訪談外，在《厲陰宅》完全無從得知安娜貝爾可怕以及其背後成魔的原因究竟為何？如今前傳順利拍攝完成，謎團似乎是解開了，可是相對未知的恐懼與駭人的能量就減低了，這不只是所有電影延伸的續集所要面臨的困境，尤其是像《安娜貝爾》這種挾著前作光環之姿驟而降臨的前傳，無可避免的更是會受到觀眾與前作愛好者的放大檢視。

至於電影可怕不可怕？驚悚不驚悚？對於早已期待萬分看過預告的觀眾，《安娜貝爾》有無營造出更令人驚喜（嚇）的手法？前兩個問題或許見仁見智，但是最後一個問題絕對是否定的，雖然按照《厲陰宅》的賣座與大眾喜愛的程度，票房一定還是會有基本盤存在的，只是若拔掉與《厲陰宅》的聯結，單就《安娜貝爾》而言，其實就是一部中規中矩的鬼片，雖然沒有什麼創新，但至少還是有一定的水準。於我而言，《安娜貝爾》與一般的前傳電影完全無異，因為都走不出前作所設下的框架中。

《浴血任務》系列拍到第三集，當然，故事最核心的內容還是圍繞在由席維斯史特龍飾演的巴尼所帶領的浴血幫上，只是拍到第三集的《浴血任務》，不能只是再將主要演員圍繞在前兩集的陣容上，而是得創造些新猷，因此，《浴血任務3》除了試圖將《浴血任務》保持在系列既有的動作巨星光環上，同時也讓本集加入的新人有了不少大顯身手的機會。

《浴血任務》系列的劇情其實都不太複雜，通常邏輯都是一根腸子通到底的簡易明瞭。但是《浴血任務》最重要的並不是編造曲折離奇的劇情，也不是此系列電影的強項，而是在群星閃耀的演員陣容中該如何適當的安排每個人所扮演的角色與出場的時機。畢竟，《浴血任務》網羅的可是80、90年代叱咤好萊塢影壇的知名動作演員，幾乎每一個都獨挑大樑過知名的電影系列，也造就兩年前在《浴血任務2》時，布魯斯威利與阿諾史瓦辛格就在電影裡互開之前彼此電影裡的玩笑，也因為有了演員個人過去的系列電影的形象加持，也使得《浴血任務》無論是在話題性或是可看性都有著十分充足的能量。

從第一集的純粹執行任務，到第二集為任務中遭殺害的弟兄復仇，第三集的格局也因應續集的期待性而拉得更大，浴血幫不止得替CIA執行任務，還要為受傷的夥伴復仇，更要面對往日最信任的夥伴成為最難纏的敵人。而劇情的龐大，也讓浴血幫有了改變，也因而導出本集裡最重要的創新－「重組浴血幫」。

在意識到浴血幫的成員都已經不再是當年那些充滿拼勁與熱血的小夥子的同時，浴血幫的隊長巴尼宣布解散浴血幫，為的是不要看到最後自己夥伴栽在與過去交纏牽扯不清的任務上客死他鄉，於是巴尼告別了自己的夥伴，重新組織了浴血幫，當然，新世代的浴血幫跟過往有著截然不同的風格，不再完全以硬漢風格取勝，除了有彪悍的女打仔外，更有著對各項儀器都十分精通的駭客高手，各項專精不同領域的高手，組成了另外一種有別於黃金演員陣容的傭兵團隊。

比起第二集只讓新生代演員稍稍出場一下，第三集給足了新生代演員大量發揮的空間，從逮捕軍火頭子－史東班克斯（梅爾吉勃遜飾演）那場戲，縝密的計劃到迅速地執行，新版浴血幫在執行任務時展現了與過去不同的行事風格，整個橋段也甚為流暢，讓每個角色都能夠在專屬於自己的崗位發揮，而且此段劇情的風格較類似近年來的動作片或是諜報片，不時用高科技的道具與事先完善規劃的計劃，不太像較早期的動作片，全然是依靠蠻力與硬漢的血性打擊犯罪或是完成任務。

        張家輝初執導演筒的《盂蘭神功》，其在電影上的用心程度，可從電影的整體觀感略知一二，劇情的考究方面，從粵劇團的行規到中元酬謝鬼神的民俗禮儀，都看得出來導演張家輝很有企圖心的在面對自己的第一部作品，尤其是初次執導即選擇鬼片類型的電影，要如何掌握氣氛，又要保持電影的懸疑感，不致讓電影的結局提前破梗，在在都考驗著導演的美學選擇。

        《盂蘭神功》在氣氛的營造上極其成功，充分的利用了「懸」的手法，讓觀賞電影的觀眾有如走鋼索般懸在半空中，無時無刻不斷猜想到底何時會有驚嚇橋段？到底何時會有關鍵劇情露出？到底這一連串事件的成因究竟為何？而這個「懸」手法的成功運行，在於背後有兩大原因。

        第一個是音效的使用。

        《盂蘭神功》的電影音效十分出色，在聲音處理的細節上非常用心，除了可以完整呈現粵劇的唱腔聲線外，同時也利用了這個細膩的效果去營造整體的觀影環境，抓住觀眾的注意力，使得觀眾不得不去注意每一項聲音細節的來源，也藉此能夠呈現鬼片所想要的懾人效果，因為一旦音效瞬間拉空，觀眾即曉得有不對的事情即將發生，雖然這項伎倆早已不是第一回，但也算是鬼片與觀眾的某種「期約」，再加上《盂蘭神功》如此重視音效聲響的細微處，確實賦予了觀眾「懸」在半空中的情緒緊繃狀態。

        第二個是事件的成因。

承襲一貫柯南電影版的風格， 稍微不同的是加入了ＶＳ魯邦三世這個元素，讓兩者既是夥伴也是敵人，亦敵亦友的故事型態讓柯南與魯邦的組合有了不少看頭，至少，不再是由柯南一手包辦所有的偵查狀況與案件流程，在偵探ＶＳ怪盜的設定上，由於兩部作品都是獨立的作者，獨立的故事觀，既要合作，勢必不能讓其中一方處於下風，於是，有了另外一個共同的目標（敵人）就成為了最好的解套方式。

即便這在日本的動畫電影早已不是第一回，只是這種聯名的手法就是一項有效吸引既定的觀眾群進場看電影的誘因，票房如果不錯，我想柯南不會是最後一次ＶＳ魯邦三世（其實早也不是第一次，魯邦三世ＶＳ名偵探柯南早在2009年就有了電視版），畢竟能創造商機的好手法就是持續衍生下去的最佳基礎，甚至還可以彌補柯南電影版近年來每況愈下還是硬要一年推出一部的窘況。

       在《魯邦三世ＶＳ名偵探柯南THE MOVIE》中看得出來導演及編劇對於這兩套作品都相當熟稔，抑或是做足了功課，才能夠創造出這樣兩個不同世界觀交集卻又毫無違和感的故事，另外，身為觀影者的我，只看過柯南系列，但是看完《魯邦三世ＶＳ名偵探柯南THE MOVIE》，會讓人想去了解魯邦的故事到底為何？我想這就是日本動漫成熟的地方，異業結合讓雙方不失面子卻又能夠更多的商機，而且讓不同作品的讀者群都能夠接觸到另一部作品，我想這就是這部電影版最成功的地方吧！

《鬼遮眼》是一部中規中矩的鬼片，整體氣氛營造不差，故事的基本要素亦有掌握到，以鏡子為劇情主軸的題材頗有發揮空間，但本片其實優缺點各半，優點是在於電影的敘事方式採用了以科學見長的觀察法，意即用攝影機、溫度計、電子控制系統⋯等儀器去測量及觀察異象的存在，再輔以各式歷史資料的說明，古董鏡的詭異程度也越趨增加，而類似於紀錄片的紀實手法提高了不少鬼遮眼的驚悚程度，值得讚許。

但是失敗的地方在於穿梭「過去」與「現在」的時空剪接。為了重振家族名聲，重新找回父親發狂殺害母親背後的真正原因，主角兩姐弟必須正視十一年前的夢魘，才能重新面對傷痛，才能夠尋得摧毀古鏡的契機，只是到電影後半段，前面所擬定的觀察法策略完全失效，古鏡所產生鬼遮眼讓敘事的時間軸不斷地在過去與現在恣意的跳躍，於是觀眾很難摸清楚到底現在到底在哪個時空？或許這可能是本片想營造古鏡會使人有真假難分的困境，但完全不顧觀眾的理解程度真的成為片中最大的敗筆。

《鬼遮眼》有驚喜，亦有缺失，不算太差，但也沒太好，絕望的結局使人覺得有續集的可能。當然，有機會延伸，前提是票房要夠亮眼才行。

    《變形金剛》拍到第四集，當然，不斷被人詬病的缺點還是維持著，從大量的爆破與不斷旋轉的鏡頭中，麥可貝還是毫無畏懼的在電影中維持其一貫的視覺風格，這選擇是好是壞其實見仁見智，端看閱聽眾是用什麼角度去解讀這部電影。對於只是想要進戲院享受聲光效果的觀眾而言，《變形金剛》就像是一齣用特效堆砌出來的高娛樂影視產品，無須思考，只需盡情享受華麗的視覺特效即可；至於對於《變形金剛》不抱希望的觀眾，尋找劇情裡的矛盾點、批評電影的特效疲勞轟炸似乎成了觀影當下最大的樂趣。

但不約而同的是，無論是哪種取向的觀眾，大家都買票進了戲院觀賞《變形金剛》，也因此《變形金剛４：絕跡重生》，甫上片就立即破了今年的開片票房紀錄，戲院裡滿滿的購票人潮證明了《變形金剛》系列還是有其魅力，而且有話題性才會有熱烈的討論度，不論評價是褒是貶，光是高度的視覺享受還是願意讓很多觀眾賣票進電影院享受聲光效果。

《變形金剛》在前三集主要的劇情主軸都是聚焦在由科博文領導的博派與美軍聯手力抗以密卡登…等為主的狂派。至於在第四集絕跡重生裡，由於是重新開始的三部曲，雖然世界觀還是承襲著前三集的設定，但劇情與人物設置都已完全換血，換成由馬克華柏格所飾演的凱德為本系列的人類主角，而劇情亦不再是侷限在博派與狂派之間的鬥爭，而是新加入了另外一個不同陣營的「地獄獵人」，讓絕跡重生成為變形金剛的「新三國演義」，讓劇情不再是只有對峙，更加入了狩獵與獵物，利用者與被利用者間的多層次關係，而且，人類不再是與變形金剛任何一方有著密切的關聯，而是散落在不同陣營中成為這多層次關係中的催化劑。

並且，本集《變形金剛》最值得讚許的優點，在於摒除了過往本系列戰鬥時所有的變形金剛全都打成一塊令人眼花撩亂，分不清除正、反派的情況，而是利用了大量的慢動作與不同的變形模式讓觀眾能夠一眼即可用變形模式認出該金剛是屬於哪個陣營，許多刻意加諸的慢動作特效也能利用電影媒介的「放大效果」讓觀眾能夠看清楚所有的動作細節，當觀賞《變形金剛》不再只是看著一團團只會擦出火花的鋼鐵扭打在一起，至少，在視覺特效的部分，導演與劇組做了大幅度的改進，在能夠看清與明確分辨的兩個視覺要素上，對於《變形金剛》這部強調視覺特效的電影，這樣的進步是值得肯定的。

《變形金剛４：絕跡重生》也因為中國為部分投資方的關係，前三集都會在片中耀武揚威的美軍這次完全沒有出現，而且片中還加入了不少中國演員，片尾的戰鬥場面也全部都移師到香港去拍攝，甚至還加入了中國國防部長一句：「中央政府一定全力支持香港」的一句話，這樣的轉變，更讓人不得不正視中國這個全世界第二大的電影市場，現在連好萊塢這樣強調行銷美國的文化霸權都不得不向中國電影市場靠攏，甚至為了搶得能夠在中國上映的機會不惜與中國合作，甚至於讓中國進行合資拍攝，大喇喇的置入性行銷超多的中國產品，都再再證明了中國電影市場不斷的在崛起，並且持續到受到全球關注與重視，尤其在《變形金剛４：絕跡重生》中，更是能夠驗證上述論點最好的佐證，《變形金剛４：絕跡重生》不只是一部強調聲光效果的大製作特效電影，其背後的投資方、置入的產品行銷、場景的選擇與拍攝更可隱含著全球電影商業市場未來的風向，頗值得玩味。

《愛在墾丁－痞子遇到愛》再次證明了，不是拍得稍微有質感的電視短劇就可以稱之為電影。即使導演非常想要在電影裡充分融入墾丁的風土民情，只是卻忘了電影最重要的核心是一個良好又能夠撼動人心的劇本，置入在地風情或是產品行銷固然有助於地方觀光發展與拍攝資金及贊助之籌措，可是卻不應該是用劇本來服務置入行銷，而是要由置入行銷來服務劇本，申言之，就是置入要置得合情合理或是不要太過誇張，這點很明顯的《愛在墾丁－痞子遇到愛》完全沒考慮到，許多巧橋段與場景就是為了置入而置入，絲毫不把劇情的邏輯性考慮在內。

本片的劇情平庸，人物設置完全扁平化，戲裡情緒轉換毫無轉折性，說生氣就生氣，說沒事就沒事，說曖昧就曖昧，任何情緒的轉折都是瞬間，看不出人物的內心衝突與情感刻畫，甚至恣意妄為的認為一個玩世不恭的大陸痞子能夠到墾丁來找回自己應該承擔的責任？未免太過可笑。

雖然重新認識自己，找回自己是不少電影所蘊含的中心主軸，但是《愛在墾丁－痞子遇到愛》就是太過一廂情願，再加上演員演技幾乎沒有一個是到位的，男女主角從一而終的臉部表情，只能勉強看得出在哭或在笑罷了，甚至連串場的綠葉配角都無法用劇情完整的交代清楚，姚淳耀跟鍾欣怡到底是怎麼看對眼的？沈文程飾演的牧師到底是怎麼跟飾演男主角爺爺的乾德門搭上線決定為男主角設下這麼一個「追尋之旅」？男主角所背負的債務早已屆清償之期，為何還有閒情逸致積極訓練並參加當地的民俗慶典活動？不知這些轉折點是否該叫買票進場的觀眾自行腦補並加以串聯？

《愛在墾丁－痞子遇到愛》明顯是因為拿了國片映演補助才有機會在戲院上映，否則這種類型的電影在電影台看都嫌浪費時間，試問誰會在兩個小時的「墾飄」之旅找到什麼人生的道理或啟發？到底《愛在墾丁－痞子遇到愛》的上映是真心為了讓更多的觀眾看到，還是只是為了映演補助而胡亂上映向補助的單位交差了事？

我想答案再明顯不過了。

    《北京愛情故事》裡的第二與第三則故事，從婚姻的忠誠度出發，探討青壯年男女對於婚姻的看法，同時亦在試探婚姻的底限。本篇主角由王學兵飾演的吳崢講出了一句：「結婚十年，我終於發現，人生的上半場是激情，下半場是親情，中間插播的全是婚外情。」開始，多麼狂妄的一句話，卻也多麼鮮血淋漓地剖析了當代許多男女對於婚姻的想法，從一而終似乎變成了神話，歪理卻成為了另一個似是而非的真理。婚姻，在當代男女關係的自主意識裡，到底變成了什麼樣的關係？

    因為相愛，所以決定走進婚姻，但經過時間的流逝，卻因為新鮮感不再，讓當年熱戀、不可分離的那人，讓生活的瑣事與現實的壓力使彼此魅力盡失。因為家裡那位黃臉婆，因為家裡那位無趣男子，讓自己有了另外一個冠冕堂皇的藉口讓夠在外面開小差，婚姻的忠誠度剎那間不再是為對方緊守著那份從一而終的心意，取而代之的是同床異夢的「室友」生活，這樣的婚姻是否還有存在的必要？難道沒有了新鮮感婚姻關係就不再存續了嗎？

    新鮮感的維持是靠雙方去維繫的，相愛容易，相處難，選擇進入了婚姻，就是選擇進入了彼此的生活。面對每天生活的大小事，有時被操煩的便無心去維持夫妻間的那份感覺，轉而讓偷腥看似成了唯一的出路。不過追求新鮮感多半只是一時，正如同《北京愛情故事》裡第三則故事梁家輝與劉嘉玲飾演了結婚二十幾年的夫妻，硬要在結婚紀念日當天扮演著一對偷情的男女，雖然有些瞎胡鬧的感覺，但也確切地點出兩人在彼此的生活中這麼久，有時也會疏於對對方的關心而造成新鮮感不再，不時得靠一些特別的伎倆與情境才能創造樂趣。但無論如何，二十幾年的婚姻也是一路跌跌撞撞走過，出軌也好，偷吃也罷，全都是因為那份喜新厭舊的心態在作祟，只要維持對彼此的熱度，有著共同的目標與理想，或許，厭倦時所需要的那份情慾就能夠比較有效地被遏止。

    新鮮感是一時，一直在你身邊的「那位 」才是不變的真理，就像吳崢在外捻花惹草，婚姻在他口中看似毫無價值，滿口對玩女人有一套自圓理論，小三小四也不曉得有多少人。不過當老婆因他在外亂來而向他攤牌說出離婚兩字，看似對婚姻毫不戀棧的他卻因為無法接受離婚這個情況而崩潰。愛情是否不存在？婚姻是否不可靠？但在這個男女關係瞬息萬變的世代中，婚姻就是一份可以讓人安心的關係，因為有了婚姻，生活才有了陪伴，陪伴，看似無關緊要，但無非就是人生最重要的過程。

    「婚姻，就是在錯的時間遇到錯的人」，《北京愛情故事》最後給了婚姻下了一個這樣的定義，如此殘忍的定義正不正確不予置評，但我心中想到的卻是《非誠勿擾》中秦奮對笑笑說的那句：「一輩子很短，我願和你將錯就錯⋯⋯」，錯的時間如何？錯的人又如何？最重要的是，我們在那個時間點找到適合的彼此，那就夠了。

      陳思誠執導的《北京愛情故事》，由五段不同年齡層的愛情故事交織而成，看似簡單，也看似老套，但其實每段故事皆有著平凡卻又不凡的愛情體悟，正因為平凡，正因為這些可能發生在你我身邊的情況，正因為愛情是那樣的難以捉摸卻又讓人趨之若鶩，正因為心嚮往之卻又害怕被傷害，愛情的眾多樣貌，使得平凡的情況也可能不凡，從中提煉出來的戀人絮語就有著撼動人心的能量了。

      第一個故事由陳思誠飾演的陳鋒，因為不小心與佟麗婭所飾演的沈彥懷了彼此的小孩開始，面臨一連串現實與愛情間的考驗。

      兩人相愛，確實是美事一樁，但是經濟基礎其實也算是愛情裡頗為重要的根本，沈彥雖然欣然接受陳鋒的求婚，但陳鋒即使住於北京，做為室內設計師的他，卻只能住在隔音不好的租賃小套房中，沒車沒房甚至也沒存款，有了小孩，勢必就有了責任，有了必要的花費，不再是隻身一人的他，可不是一人飽就全家飽，談結婚何其容易，只是進行結婚，就得面臨現實上的層層考驗，當愛情與現實成為了天平的兩端，愛情還可以是愛情嗎？

      《北京愛情故事》利用了兩個情境向觀眾詢問了上述問題。第一個情境是多金的前男友，當現在進行式碰上了過去式，現在與過去頓時成了最殘酷的相比，與陳鋒相比，沈彥的前男友在北京有著令人稱羨的社經地位，之所以與沈彥分手是因為他已先有了個家庭。但是當他再度出現在沈彥面前時，離婚證書成為了一張能夠為兩人關係完美解套的工具，為了沈彥，他甘心放下與別人共組的家庭，只為能與沈彥再續前緣，即使沈彥早已清楚表明自己想與陳鋒結婚的念頭，前男友還是用了現實層面的種種考量與各項生活花費的數據抨擊沈彥的單純，甚至到最後還以孩子未來的生活品質為由，以陪他兩小時為交易換取市中心一間要價不斐的套房。

      這樣的交易何其功利？何其直接？但也何其現實？ 買不起房是事實，沒有良好的經濟基礎是事實，為了現實，愛情到底能不能夠禁得起這樣的考驗，用兩小時換得一間可能一輩子也買不起的房子，如果是你，面對這樣鮮血淋漓的交易，你會如何抉擇？

      不以嚴肅的角度切入，單純以民眾信徒生活化與虔誠的心態去敘述媽祖遶境這項宗教盛事，讓從未參與過媽祖遶境的觀眾能夠透過另外一種不同媒介的形式去稍微了解遶境這個活動的宗教意義及橫跨地域的風土民情。此構想相當不錯，也利用了人與人之間最基本的相處，最虔誠的民俗信仰讓整體的敘事結構不只停留在宗教活動，更有著濃濃的人情味，藉此以呼應「人」才是宗教信仰的根本，眾人的齊心合力、不分你我，才是宗教信仰最動人的核心價值，這點，《媽祖迺台灣》從構想到執行都做得十分不錯。

      但是身為導演之一的任賢齊加入本片中或許是想要用明星的名氣去吸引部分的觀眾觀賞，但是刻意的加入，過於明顯的旁白與簡介，都顯得有些許突兀，尤其是片尾硬要自彈自唱一段「對面的女孩看過來」的媽祖遶境改編版實在是有些尷尬，也讓人弄不清這位導兼演（體驗）的任賢齊是否有點為了唱而硬唱（遶境的過程中有粉絲請他小唱兩句怎麼樣都不肯，但最後卻唱得無比痛快）？雖然以親身經歷、實際體驗的方式讓人可以感覺的到任賢齊真的很重視這項宗教活動，從旁的解說亦讓人感覺到她很想用不同的媒體呈現去介紹及推廣這項活動，但唱歌真的就沒必要了吧？雖然改編的歌詞即使符合了媽祖遶境的文化活動內容，但多少有些彆扭，這應該算是本片在企畫到執行都十分不錯下稍稍美中不足的地方吧。