陳正道執導的《重返20歲》是一部裝滿著懷舊,亦俗得剛好的愛情喜劇。
《重返20歲》最深情的懷舊呼喊在於,如果能夠回到20歲,你想要做什麼?對於過去記憶中那些曾經錯過與失去的,在重新有了氣力與時間後,你願不願意重新做選擇同時也重拾過去捨棄的夢想?《重返20歲》就利用了歸亞蕾所飾演的沈孟君,在年紀早已70有餘時,透過一家青春照相館,神奇的讓自己的容顏回到20歲的面貌(由楊子珊飾演)成為孟麗君,也讓孟麗君從此有了能夠改變命運的力量。
沈孟君是如何靠著時光相機回到20歲,從來不是《重返20歲》裡的重點,重點是在於重返20歲後,成為孟麗君的沈孟君她能夠或是想要做什麼?導演陳正道就用了時光的對比來呈現沈孟君的選擇。
]]>華納影業重新打造的《哥吉拉》,果然與1998年好萊塢式的《酷斯拉》截然不同,不再是由怪獸酷斯拉獨自大鬧城市,而是讓哥吉拉成為另類的救世英雄,相信這次在2014年重新開機、忠於原作的《哥吉拉》應該會讓對於厭惡《酷斯拉》好萊塢式的改編的怪獸影迷大大改觀。
2014年的《哥吉拉》依舊主打的是怪獸肆虐城市的災難特效,但不同的是,全片圍繞的大量的反核意識(在原作本來哥吉拉就是為了反核而創造出來的怪獸),從核電廠到核彈,每一項人類所做有關核能的決定都有著致命性的傷害,而且這傷害小至家庭破碎,大致城市毀滅甚至還能動搖國家的存亡,再加上好萊塢強大的視覺特效加持,栩栩如生的浩大場面伴隨著怪獸電影之名行反核能思想之實呈現在觀眾面前。
有了成功的案例,片商自然就想沿著相同的脈絡拍攝續集或是前傳,試圖延伸成系列電影進而再創票房佳績。正如同有了《厲陰宅》這個成功的前例後,在戲中高人氣的配角鬼娃娃-安娜貝爾,就扶配為主成為《厲陰宅》的前傳主軸。但《厲陰宅》之所以恐怖與賣座,完全要歸功於導演溫子仁對於鬼片類型電影的熟稔與再重組,沒有了溫子仁的風格與拼貼,承襲自《厲陰宅》令人詭譎的安娜貝爾即使轉換成獨立的前傳,解謎的趣味有了但驚嚇的能量卻降低了不少。
《安娜貝爾》最大的破綻關鍵在於戲裡所有較有創意或是驚悚的片段,幾乎有九成全剪進了預告,其它未剪進預告裡的地方就只剩下劇情的鋪陳與尖叫加咆哮,甚至連利用縫紉機的運作聲營造壓迫的氣氛也都放置預告中,相信預告剪輯者把所有能營造驚喜(嚇)的素材全用上了,片商應該也有著十足的信心相信觀眾絕對會為了《厲陰宅》這塊金字招牌進場看《安娜貝爾》,不過,實際上有沒有達到《厲陰宅》的水準,似乎又是另外一回事了。
]]>《浴血任務》系列拍到第三集,當然,故事最核心的內容還是圍繞在由席維斯史特龍飾演的巴尼所帶領的浴血幫上,只是拍到第三集的《浴血任務》,不能只是再將主要演員圍繞在前兩集的陣容上,而是得創造些新猷,因此,《浴血任務3》除了試圖將《浴血任務》保持在系列既有的動作巨星光環上,同時也讓本集加入的新人有了不少大顯身手的機會。
《浴血任務》系列的劇情其實都不太複雜,通常邏輯都是一根腸子通到底的簡易明瞭。但是《浴血任務》最重要的並不是編造曲折離奇的劇情,也不是此系列電影的強項,而是在群星閃耀的演員陣容中該如何適當的安排每個人所扮演的角色與出場的時機。畢竟,《浴血任務》網羅的可是80、90年代叱咤好萊塢影壇的知名動作演員,幾乎每一個都獨挑大樑過知名的電影系列,也造就兩年前在《浴血任務2》時,布魯斯威利與阿諾史瓦辛格就在電影裡互開之前彼此電影裡的玩笑,也因為有了演員個人過去的系列電影的形象加持,也使得《浴血任務》無論是在話題性或是可看性都有著十分充足的能量。
]]>張家輝初執導演筒的《盂蘭神功》,其在電影上的用心程度,可從電影的整體觀感略知一二,劇情的考究方面,從粵劇團的行規到中元酬謝鬼神的民俗禮儀,都看得出來導演張家輝很有企圖心的在面對自己的第一部作品,尤其是初次執導即選擇鬼片類型的電影,要如何掌握氣氛,又要保持電影的懸疑感,不致讓電影的結局提前破梗,在在都考驗著導演的美學選擇。
《盂蘭神功》在氣氛的營造上極其成功,充分的利用了「懸」的手法,讓觀賞電影的觀眾有如走鋼索般懸在半空中,無時無刻不斷猜想到底何時會有驚嚇橋段?到底何時會有關鍵劇情露出?到底這一連串事件的成因究竟為何?而這個「懸」手法的成功運行,在於背後有兩大原因。
]]>承襲一貫柯南電影版的風格, 稍微不同的是加入了VS魯邦三世這個元素,讓兩者既是夥伴也是敵人,亦敵亦友的故事型態讓柯南與魯邦的組合有了不少看頭,至少,不再是由柯南一手包辦所有的偵查狀況與案件流程,在偵探VS怪盜的設定上,由於兩部作品都是獨立的作者,獨立的故事觀,既要合作,勢必不能讓其中一方處於下風,於是,有了另外一個共同的目標(敵人)就成為了最好的解套方式。
即便這在日本的動畫電影早已不是第一回,只是這種聯名的手法就是一項有效吸引既定的觀眾群進場看電影的誘因,票房如果不錯,我想柯南不會是最後一次VS魯邦三世(其實早也不是第一次,魯邦三世VS名偵探柯南早在2009年就有了電視版),畢竟能創造商機的好手法就是持續衍生下去的最佳基礎,甚至還可以彌補柯南電影版近年來每況愈下還是硬要一年推出一部的窘況。
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《鬼遮眼》是一部中規中矩的鬼片,整體氣氛營造不差,故事的基本要素亦有掌握到,以鏡子為劇情主軸的題材頗有發揮空間,但本片其實優缺點各半,優點是在於電影的敘事方式採用了以科學見長的觀察法,意即用攝影機、溫度計、電子控制系統⋯等儀器去測量及觀察異象的存在,再輔以各式歷史資料的說明,古董鏡的詭異程度也越趨增加,而類似於紀錄片的紀實手法提高了不少鬼遮眼的驚悚程度,值得讚許。
但是失敗的地方在於穿梭「過去」與「現在」的時空剪接。為了重振家族名聲,重新找回父親發狂殺害母親背後的真正原因,主角兩姐弟必須正視十一年前的夢魘,才能重新面對傷痛,才能夠尋得摧毀古鏡的契機,只是到電影後半段,前面所擬定的觀察法策略完全失效,古鏡所產生鬼遮眼讓敘事的時間軸不斷地在過去與現在恣意的跳躍,於是觀眾很難摸清楚到底現在到底在哪個時空?或許這可能是本片想營造古鏡會使人有真假難分的困境,但完全不顧觀眾的理解程度真的成為片中最大的敗筆。
]]>《變形金剛》拍到第四集,當然,不斷被人詬病的缺點還是維持著,從大量的爆破與不斷旋轉的鏡頭中,麥可貝還是毫無畏懼的在電影中維持其一貫的視覺風格,這選擇是好是壞其實見仁見智,端看閱聽眾是用什麼角度去解讀這部電影。對於只是想要進戲院享受聲光效果的觀眾而言,《變形金剛》就像是一齣用特效堆砌出來的高娛樂影視產品,無須思考,只需盡情享受華麗的視覺特效即可;至於對於《變形金剛》不抱希望的觀眾,尋找劇情裡的矛盾點、批評電影的特效疲勞轟炸似乎成了觀影當下最大的樂趣。
但不約而同的是,無論是哪種取向的觀眾,大家都買票進了戲院觀賞《變形金剛》,也因此《變形金剛4:絕跡重生》,甫上片就立即破了今年的開片票房紀錄,戲院裡滿滿的購票人潮證明了《變形金剛》系列還是有其魅力,而且有話題性才會有熱烈的討論度,不論評價是褒是貶,光是高度的視覺享受還是願意讓很多觀眾賣票進電影院享受聲光效果。
]]>《愛在墾丁-痞子遇到愛》再次證明了,不是拍得稍微有質感的電視短劇就可以稱之為電影。即使導演非常想要在電影裡充分融入墾丁的風土民情,只是卻忘了電影最重要的核心是一個良好又能夠撼動人心的劇本,置入在地風情或是產品行銷固然有助於地方觀光發展與拍攝資金及贊助之籌措,可是卻不應該是用劇本來服務置入行銷,而是要由置入行銷來服務劇本,申言之,就是置入要置得合情合理或是不要太過誇張,這點很明顯的《愛在墾丁-痞子遇到愛》完全沒考慮到,許多巧橋段與場景就是為了置入而置入,絲毫不把劇情的邏輯性考慮在內。
本片的劇情平庸,人物設置完全扁平化,戲裡情緒轉換毫無轉折性,說生氣就生氣,說沒事就沒事,說曖昧就曖昧,任何情緒的轉折都是瞬間,看不出人物的內心衝突與情感刻畫,甚至恣意妄為的認為一個玩世不恭的大陸痞子能夠到墾丁來找回自己應該承擔的責任?未免太過可笑。
]]>《北京愛情故事》裡的第二與第三則故事,從婚姻的忠誠度出發,探討青壯年男女對於婚姻的看法,同時亦在試探婚姻的底限。本篇主角由王學兵飾演的吳崢講出了一句:「結婚十年,我終於發現,人生的上半場是激情,下半場是親情,中間插播的全是婚外情。」開始,多麼狂妄的一句話,卻也多麼鮮血淋漓地剖析了當代許多男女對於婚姻的想法,從一而終似乎變成了神話,歪理卻成為了另一個似是而非的真理。婚姻,在當代男女關係的自主意識裡,到底變成了什麼樣的關係?
因為相愛,所以決定走進婚姻,但經過時間的流逝,卻因為新鮮感不再,讓當年熱戀、不可分離的那人,讓生活的瑣事與現實的壓力使彼此魅力盡失。因為家裡那位黃臉婆,因為家裡那位無趣男子,讓自己有了另外一個冠冕堂皇的藉口讓夠在外面開小差,婚姻的忠誠度剎那間不再是為對方緊守著那份從一而終的心意,取而代之的是同床異夢的「室友」生活,這樣的婚姻是否還有存在的必要?難道沒有了新鮮感婚姻關係就不再存續了嗎?
]]>陳思誠執導的《北京愛情故事》,由五段不同年齡層的愛情故事交織而成,看似簡單,也看似老套,但其實每段故事皆有著平凡卻又不凡的愛情體悟,正因為平凡,正因為這些可能發生在你我身邊的情況,正因為愛情是那樣的難以捉摸卻又讓人趨之若鶩,正因為心嚮往之卻又害怕被傷害,愛情的眾多樣貌,使得平凡的情況也可能不凡,從中提煉出來的戀人絮語就有著撼動人心的能量了。
第一個故事由陳思誠飾演的陳鋒,因為不小心與佟麗婭所飾演的沈彥懷了彼此的小孩開始,面臨一連串現實與愛情間的考驗。
兩人相愛,確實是美事一樁,但是經濟基礎其實也算是愛情裡頗為重要的根本,沈彥雖然欣然接受陳鋒的求婚,但陳鋒即使住於北京,做為室內設計師的他,卻只能住在隔音不好的租賃小套房中,沒車沒房甚至也沒存款,有了小孩,勢必就有了責任,有了必要的花費,不再是隻身一人的他,可不是一人飽就全家飽,談結婚何其容易,只是進行結婚,就得面臨現實上的層層考驗,當愛情與現實成為了天平的兩端,愛情還可以是愛情嗎?
]]>不以嚴肅的角度切入,單純以民眾信徒生活化與虔誠的心態去敘述媽祖遶境這項宗教盛事,讓從未參與過媽祖遶境的觀眾能夠透過另外一種不同媒介的形式去稍微了解遶境這個活動的宗教意義及橫跨地域的風土民情。此構想相當不錯,也利用了人與人之間最基本的相處,最虔誠的民俗信仰讓整體的敘事結構不只停留在宗教活動,更有著濃濃的人情味,藉此以呼應「人」才是宗教信仰的根本,眾人的齊心合力、不分你我,才是宗教信仰最動人的核心價值,這點,《媽祖迺台灣》從構想到執行都做得十分不錯。
但是身為導演之一的任賢齊加入本片中或許是想要用明星的名氣去吸引部分的觀眾觀賞,但是刻意的加入,過於明顯的旁白與簡介,都顯得有些許突兀,尤其是片尾硬要自彈自唱一段「對面的女孩看過來」的媽祖遶境改編版實在是有些尷尬,也讓人弄不清這位導兼演(體驗)的任賢齊是否有點為了唱而硬唱(遶境的過程中有粉絲請他小唱兩句怎麼樣都不肯,但最後卻唱得無比痛快)?雖然以親身經歷、實際體驗的方式讓人可以感覺的到任賢齊真的很重視這項宗教活動,從旁的解說亦讓人感覺到她很想用不同的媒體呈現去介紹及推廣這項活動,但唱歌真的就沒必要了吧?雖然改編的歌詞即使符合了媽祖遶境的文化活動內容,但多少有些彆扭,這應該算是本片在企畫到執行都十分不錯下稍稍美中不足的地方吧。
]]>全面進化是一部科技警世預言電影,劇情編排相當有意思,從人性與科技作為辯證的兩面,討論發展人工智慧的必要性與爭議性。於進化的角度而言,能用人工智慧運用大量精密的演算程式達成醫療、環保,甚至於再造有機組織的大幅度遠程目標;但在道德方面,由於科技的迅速發展可使作業系統達到擁有自主意識的層面,甚至超越人類所能思考的範圍與智能,還可以強大到運用醫療的技術能植入微生物至有機體中以達到統一控制原本擁有各自自主意識的人類,這樣的人工智慧是否可以存在?這樣的人工智慧是否擁有了太多的權力?
全面進化提供了一個在科幻電影都有的元素:科學家永遠都在進步與毀滅間做抉擇,而這抉擇往往都是一步之差、一線之隔,孰優孰劣無法輕易判定,只是在原有的社會體制下不容許這種超速的發展,其原因正如同全面進化裡提到的:人永遠因未知而恐懼。因為恐懼而選擇自我防衛,因為自我防衛而裹足不前,畢竟改變永遠是最難跨出第一步,尤其是這項改變會傷害原本體制下的既得利益者,當進化變成了革命,科學成了政治,舉凡與眾人有關的事物,就成了既得利益者最肆無忌憚的保護機制口號。
]]>《玩命特區》就是法國電影《暴力特區》的好萊塢版,甚至連其中一個主角都與原本的相同(應該也沒有別的演員可以媲美大衛貝爾這般的跑酷身手吧?),至於電影改編翻拍的如何?其實在《暴力特區》原本即是部節奏與動作設計極為出色的佳作下,要翻拍的多難看也不太容易,只是《玩命特區》除了換上保羅沃克成為自己翻拍最明顯的印記外,看不出其他的特色,因為全部的場景與橋段全部都有著極為強烈的原著影子,甚至連部分場面的調度與動作設計也如出一徹,簡直就可說是把原作完全移植,加上主角之一又相同,真會使人有種保羅沃克是KEY上去的錯覺。
不過,正如同前述,翻拍的原作並不難看才有了好萊塢願意購置版權翻拍的契機,但好萊塢把好作品翻拍拍壞也不是一兩次了,但是這次的完全移植,果然讓電影的完成品不會差到哪去,但就是少了點新猷,不過若是原創力十足可能就不需要買別人的電影版權來翻拍了。但不可否認,本片的娛樂性頗高,光看大衛貝爾的跑酷動作就值回票價,畢竟《暴力特區》也是十年前的作品,但在《玩命特區》裡歲月在大衛貝爾的身手及臉上完全看不到痕跡,再加上電影節奏掌握得宜,搭上保羅沃克的演出,應該還是會有基本的觀眾群在。
]]>《蜘蛛人驚奇再起》系列在近十年來如此密集改編蜘蛛人的電影媒介上試圖創造出與前系列完全不同的蜘蛛人,在導演馬克偉柏的操刀下,重新開機的驚奇再起果真十分成功的與山姆雷米的蜘蛛人做出區隔,當然,兩個蜘蛛人系列在主題音樂風格上的塑造也截然不同,只是,在驚奇再起的第二集電光之戰,蜘蛛人的主題旋律卻不見了,即使有名家加持,但沒有了延續主題音樂的蜘蛛人,怎麼在音樂聽覺上做出系列電影所應具備的連結呢?
山姆雷米所打造的《蜘蛛人》系列,在第一、二集皆由Danny Elfman為電影音樂譜曲,雖然第三集的音樂是由Christopher Young譜曲,並加入了不少黑暗的低迴元素,但Danny Elfman為蜘蛛人打造的主題音樂辨識度極高,從開始低微的弦樂到漸漸加強的鼓聲,幾乎只要音樂一出,觀眾就可以曉得蜘蛛人即將出場,不論是慢板或快板的呈現,完全就是山姆雷米版蜘蛛人最令人印象深刻的聽覺印記。
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蜘蛛人驚奇再起持續至第二集,依舊維持著導演馬克偉柏的敘事風格,所勾勒出來的蜘蛛人世界觀確實比起山姆雷米的舊版蜘蛛人有著截然不同的感覺,這感覺來到第二集更明顯,也更強烈,驚奇再起2的蜘蛛人依舊在電影裡大談著戀愛(即使本集加入了分手戲碼,但還是比起山姆雷米所塑造的悲劇英雄好上不少),並且靠著天賦異稟的科學與蜘蛛變種能力拯救著紐約市民。
比起其他超能英雄,蜘蛛人在其世界觀中因個人因素所致,活動所涵蓋的地域僅止於紐約市,其所要面對的私人情感與生涯規劃,正如同其他高中生與大學生一般,也因此蜘蛛人在面對公共危難與個人心路歷程的抉擇時較能夠獲得青少年族群的認同,所以蜘蛛人這麼一部與青少年文化貼切的英雄電影,交付予馬可偉柏這位非常熟悉年輕人敘事模式的導演來執導,自然十分合適。
]]>《里約大冒險》拍到第二集,其實已經沒有什麼話題可說,畢竟在第一集時兩隻小金剛鸚鵡的故事早就已經說完,有情鳥也終成眷屬了。只是,電影賣座,那續集就勢在必行,所以,《里約大冒險》第二集把場景從巴西移到了亞馬遜叢林,不但增加了環保議題,更將場面拉得更大,人物增加得更多,讓金剛鸚鵡族群不再只是侷限在阿藍一家上,而是在亞馬遜森林中有著一整個家族,更重要的是,帶領整個金剛鸚鵡家族的首領,不但是珠兒的父親,同時也是阿藍的岳父。
當阿藍發現自身的存在不再獨特時,接下來所要面臨的就是如何在茫茫「族」海中脫穎而出,尤其是在家族中又有著一位對珠兒虎視眈眈的青梅竹馬–羅伯特與其競爭,在族裡,羅伯特不但肩負著保護族群的使命,更是珠兒父親最得力的助手,面對這樣一個強大的競爭對手,阿藍的身份與能力都岌岌可危,再加上金剛鸚鵡族群對於人類有著極度的厭惡感,與人類是好朋友的阿藍更是無法適應叢林裡的生存法則,當都市裡的生活技能無法適用於叢林法則裡時,阿藍就更是倍感無力了。
]]>以狗領養小孩為故事的主軸讓電影看似有了新意,但其實皮巴弟還是一部中規中矩的動畫電影,沒有太多意外,亦沒有太多驚喜,以親情見長的電影早已多到不勝枚舉,更別說這種回到過去的時空旅行了。
皮巴弟一片看似不想走前人時光旅行的故事模式或是邏輯推演,因此故事在時空旅行上的構想與元素是有些許突破,只是到最後所有歷史裡的眾人物皆齊聚一堂就顯得有些失控了,尤其到最後身為家庭督導員的顧人怨小姐竟然可以被帶回至特洛伊木馬屠城時代,此舉不但完全不顧電影所建立的規則,更讓現代人從此定居於古代?雖然天馬行空的想像力是動畫電影的靈感泉源,但這種快速擺脫壞人的手法著實著實讓人覺得可笑。
]]>《鐵獅玉玲瓏》的片名只是導演澎恰恰虛晃一招的手法,其內容完全與之前綜藝節目的鐵獅玉玲瓏毫無關係,只是借其片名來連結熱鬧的氣氛喚起觀眾當年對鐵獅玉玲瓏的記憶罷了,因為戲裡既有澎恰恰又有許效舜(當然戲尾演職員表時還是不免要緬懷一下當年鐵獅玉玲瓏的光榮時期)。
《鐵獅玉玲瓏》的中心主旨是要提及注重傳統文藝活動的重要性,傳統的藝文活動或許跟不上時代的潮流,但是那卻是在地與本土文化最不可抹滅的精神與元素,當大家一味地向國外看齊,像財團製造出來的文創產品看齊,到底在這些進步與拋棄中,傳統的精神尚存多少?到底該如何注重傳統文化並使其永續長存成為了《鐵獅玉玲瓏》裡最重要的核心訴求,雖然此議題早已不是什麼創新題材,但是卻是值得令人再三深思的,如果傳統文化代表著是我們社會的核心價值,那是否要使它繼續流傳下去,而不是被強勢的全球化行動吞噬掉了我們的文化核心?
]]>第一位復仇者從二戰戰間跨越到現代社會,被時代喚醒的人,該如何重拾時代?在《復仇者聯盟》裡沒提到的,《美國隊長:酷寒戰士》裡做了清楚且趣味的說明。
美國隊長原是生於二戰時代的人,強烈的愛國情操讓他奮不顧身地想從軍報效國家,在先天條件不足的情況下,亦願意付出極高風險去進行人體實驗,只為能成為軍方有效的助力,甚至,為了順利地完成任務,駕著飛機帶著宇宙魔方連人帶機的衝進海裡,只憑著一股世界必須拯救,九頭蛇軍團必須被瓦解的信念。
然而幾十年的冰封,再次甦醒後的世界,國際間的秩序早已底定,古典的肉搏戰爭早已被資訊情報戰爭所取代,一個從來沒有現代世界生活概念的人,該如何重新適應社會?該如何面對人事全非的情況?又該如何肩負拯救世界的任務?
]]>漫威電影近年來儼然成為好萊塢的代名詞,在原創力不足的情況下,除了購買國外的電影版權翻拍外,漫威系列的英雄人物同時亦給予了好萊塢另一項得以鞏固其在電影產業霸主的選擇。然而漫威也不負期望,其縝密且有計劃的依序把版權尚掌握在手中的英雄角色搬上大銀幕,而且成績斐然。在個別的改編電影中,不但每個英雄人物各有其世界觀,且鮮明的個性與缺陷也得以讓他們能夠串聯成另外一部電影,不但同時能夠連結彼此的世界,還能夠讓觀眾不至於混淆,漫威工作室的功力在轉換媒介的過程中確實不容小覷,龐大的漫威世界宇宙觀造就了龐大的觀眾群,同時也造就了另外一項好萊塢電影工業的奇蹟。
漫威英雄電影成功的原因,並不僅是歸咎於其電影中的大場面、華麗特效、奇幻元素…等,而是其在浩大場面與特效下,還是能夠兼具其故事的完整性與娛樂性,甚至還能有著與以往英雄電影不同的元素,讓觀眾看英雄電影不再只是純粹的接受特效與場面的轟炸,而能夠對於劇情能夠有著一定程度的思考空間(當然這空間不會太大,否則即失去好萊塢電影一貫所維持的高概念)。若說克里斯多夫諾蘭成功地把蝙蝠俠系列融合了犯罪類型電影使其進入了英雄電影未曾達到的境界;那麼漫威工作室就是讓漫畫英雄人物的整體宇宙世界觀融合了電影媒介且使其進入了電影產業未曾達到的目標,不但出奇制勝,而且招招精彩。
]]>《魔兵驚天錄:噬血宿命》的劇情或許在電玩裡的世界觀是行得通的,也因此才有了可以改編成動畫劇場版的契機。可是,動畫電影並不完全適用電玩裡的元素,尤其像許多魔兵驚天錄電玩裡解決掉敵人或是在戰鬥狀態下的招牌動作,放到電影裡就成了一項極為詭異的呈現,再加上動畫電影裡的動作設計並不如電玩過場動畫來得直接與俐落(更何況電玩上有自己可以操作的特性),簡而言之,即便加了一個噬血宿命的副標題,依舊讓人摸不著頭緒到底魔兵驚天錄改編成動畫電影的意義何在?
因為沒有玩過電玩基礎的觀眾絕對看不懂《魔兵驚天錄:噬血宿命》為何每每在戰鬥時都要有如此誇張華麗的動作;而有玩過電玩的觀眾早在遊戲裡就全部看過動畫電影裡所有的東西,甚至質與量都比動畫電影來得好又多,而且噬血宿命幾乎原封不動地把電玩劇情悉數複製過來,真的讓人不曉得這部電玩改編動畫電影版的價值到底是什麼?讓人看另一種媒介所表現的方式?亦或是讓系列粉絲能夠重溫不具有角色扮演的操作手感下的蓓優妮塔魅力嗎?
]]>【KANO】絕對可視為台灣電影的另一個里程碑,當之無愧。即使電影本身不盡完美,特效有點假,動畫亦有待加強,但是整體的呈現與氣氛卻意外的出色,充分的展現了一部運動電影所應具備的元素及操作的手法。
更重要的是,【KANO】本片片長三個多小時,卻完全不使人覺得冗長或無聊。每一個橋段的發展都是有其必要性,並且【KANO】注重的細節並不僅是在情節的情緒渲染上,其時代的考據與重現更是一項極為精細的工程,大至歷史事件嘉南大圳的完工(雖然並未完全按照史實,但是卻巧妙的連結了大圳完工與KANO打進甲子園);小至腳踏車上的廣告掛牌,在每一顆鏡頭內都可以看得出【KANO】劇組的用心及企圖心,非常講究,也非常到位。
]]>《樂高玩電影》創造了另種與眾不同的動畫電影。其利用樂高人物能動範圍的物理特性與樂高積木的創意精神,賦予了電影不論在劇本或形式上能夠展現更多天馬行空的創造力,堪稱為整部電影最令人激賞的元素。
尤其是樂高積木的創意精神,幾乎為整部電影最重要的中心主軸,因為若沒有了創意,樂高積木只是一些不同形狀的方塊個體;若沒有了想像,樂高積木只是一些散落的塑膠玩具。有了想像與創意,樂高積木的堆成與組裝才有了目的與意義;也因為有了想像與創意,《樂高玩電影》才能夠跳脫玩具的格局,轉而成為投射於電影銀幕上的角色。
]]>《樂高玩電影》結合了動畫電影與樂高積木特有的屬性,讓動畫電影有了另種不同的風貌與全新的視野。
關鍵在於樂高人物的動作模組與樂高積木的遊戲精神。
「擬真」向來是動畫電影的製作標竿,尤其近幾年來3D動畫電影大盛其風,也因此不斷在模擬人體的技術上「精進」,一直是動畫製作工作室持續進步的標的(所以皮克斯才會先從《玩具總動員》開始,從模擬玩具動作再衍生到《超人特攻隊》的「擬人」動畫)。有了逼真的擬人效果後,動畫電影同時能夠擁有人的故事,更可以滿足影像創作者各種天馬行空的想像力。
]]>近年來許多動畫電影長片前都會加映一部短篇動畫,對於該動畫所屬工作室的此項舉動,我個人是十分贊同也十分喜愛。也因此造就了每年進電影院欣賞動畫長片時,總會期待這次在長片開始前,該動畫工作室又會端出什麼樣的精彩可期的短片?而這些短片總是能夠蹦出一些令人出其不意的創意,每每都使人覺得這些動畫製造者真的就像一位高超魔術師一樣,利用了綺麗的色彩與生活的巧思結合成一部在五分鐘內就能夠完整交代的精彩故事。
2013年底上映的《冰雪奇緣(Frozen)》正片前所播映的《米奇拯救米妮大作戰(Get A Horse)》就是另外一個十分精巧的例子,短短五分鐘的動畫,卻巧妙的連結了叱吒卡通界已經將近一個世紀的米奇(Mickey Mouse)與時下最流行的3D電影技術,但這五分鐘厲害的是,電影不是一開始就以3D的形式呈現米奇,而是從最原始的電影規格開始,慢慢隨著劇情的演進然後使電影的「形式」不斷的進化。
]]>《風暴》是一部標準的警匪電影,基本上該有的元素一項也沒少,但是導演袁錦麟的企圖心不僅只於此,虛實難變的善惡界線與極致震撼的槍戰場面拉高了整部電影在警匪類型上的標準,看完《風暴》,相信觀眾絕對會對於警匪電影有了不同以往的感受。
電影《風暴》裡的好戲有二,之一是劉德華飾演的呂明哲警探,在執勤與任何案件中都依循著法律,秉公處理的他,正是依法行政的最佳代言人,可是當匪徒的手法愈趨殘暴,且用法律的標準程序無法有效且適時的阻止犯行、逮捕真正犯人,奉公守法了一輩子的呂明哲又該如何因應?
]]>南韓的知名導演接二連三的進軍好萊塢,且都在自己的好萊塢處女座融合了好萊塢的優勢,樹立了自己的風格,奉俊昊的《末日列車》就是一個十分成功的例子,不但美術設計搶眼,題材特殊,更重要的是維持著南韓導演一貫下猛藥的基調與快、狠、準的節奏,讓末日列車不僅是火車車速飛快,車上的乘客更是引爆著腎上腺素在衝擊階級制度,灑著火熱的鮮血在進行革命,火車外急凍的世界恰好與列車車廂內的制度形成強烈的對比,急凍的白與列車尾端的黑所映襯出來的高反差,也利用了顏色提供了最基礎的視覺衝突,亦呼應著劇情與美術設計的連貫。
當然,《末日列車》最迷人的莫過於列車上的美術設計與劇情描述階級對立的衝突,當革命軍從尾端車廂隨著節節車廂往車頭邁進,越前頭車廂裡的乘客社會地位就愈高,所身處的環境與生活方式也與尾端的底層乘客有著截然不同的差異,如底層乘客只能靠著昆蟲的屍體所製成的軟膏維持生理機能所需的熱量;前段的乘客卻能夠隨著季節的變換吃著不同的美味料理,又如同後段乘客僅能全部的人擠在車廂的一隅;前段乘客卻能夠有自己獨立的房間,甚至還有著高級餐廳或是蒸氣浴等高級社交場所,階級差異從車廂的前後、生活品質便做出一個清晰且完整的劃分,也因此當革命軍往前端車廂邁進時,對照於後段車廂所過的灰暗生活,前段車廂那從未看過的奢華程度在他們眼裡就不免震驚,也格外諷刺了。
]]>《向陽處的她》示範了愛情各種不同的可能性,雖然「純愛」情感還是在電影中扮演著不可或缺的重要元素,但是劇本跳脫有別於以往純愛小說的內容與公式,賦予了《向陽處的她》得以在純愛框架中脫穎而出的必然。
電影的攝影色調正如同片名一般,利用了逆光的溫暖特性營造出了整部電影所必備的氣氛,並且在劇情走向的敘事手法也運用了一般純愛電影所遵循的公式,讓男女主角從職場上的相遇帶出十年前的國中往事,進而堅守曾經錯過卻不願再使機會溜走的相知,到不顧長輩的反對也要私自登記結婚的相惜,這一切的發展都是這麼的自然。只是,依循著純愛電影的發展模式,在兩人結為連理後,看似有著旁人稱羨的Happy Ending時,重大劇烈的突變勢必終將摧毀沉浸在愛河裡的愛侶,也正因為突然有了讓人措手不及的變因,純愛電影才能夠有著成就海誓山盟、至死不渝的終貞愛情的動人力量。
]]>其實早有耳聞史蒂芬金這部經典的魔女嘉莉,雖然並未閱讀過原著及觀賞原版電影,但也早對故事的劇情脈絡有了大致上的了解,因此在觀賞魔女嘉莉時,就不免會有著期待,期待2013年的版本會不會有著比廣為人知的原作更驚人的發展(雖然原本故事性就很驚人了)或者是不同的詮釋。比較可惜的是,2013年新版的魔女嘉莉劇情走向遵循的依然是原本故事的架構,其相似度極高,差別僅只在於加入了不少較新穎的時代元素(手機、Youtube、陳設布置及交通工具)。
然而戲中最根本的劇情主軸,觸及到了許多議題,包含了:同學間的勾心鬥角,乃至於到校園霸凌、甚至是主角母親所抱持的宗教狂熱等。而連接多方議題的人物就是主角嘉莉,其實嘉莉就是集各種霸凌之下的受害者,在家裡,不但不時被母親用宗教之名行封閉之實,更利用禱告之名行囚禁之實;在學校,也因為家庭教育的扭曲與宗教狂熱的衝擊而使得她的社會化裹足不前,無法適應與同儕之間相處的學校生活,自然而然便成為霸凌者的頭號目標,尤有甚者,同儕們甚至還以排斥及霸凌嘉莉作為劃分優勢族群的依據。嘉莉不僅是霸凌之下的受害者,更淪為校園裡弱勢中的弱勢。
]]>玩命車手緊守著古典戲劇的三一律,讓時間、空間與人物緊密結合,創造了令人屏息以待的劇情張力。
如何在一個半小時完整敘說一則緊湊的故事,其實需要相當的功力。玩命車手其實沒有什麼太複雜的劇情,背景成因就是警察結合黑幫勢力成為了最大的人蛇販賣集團,而保羅沃克的飾演的麥克正好在正確的時間上了一台不正確的汽車後,無因由的便掌握到了能夠揭發警察局長惡行的有力證據,明明跟事件是毫無關係的麥克,到最後卻變成了唯一能夠舉發這件案件的唯一證人。
循著劇情發展,玩命車手選擇不切換場景,不利用剪接讓時間跳耀,整部電影從一開始觀眾對於事件的一無所知,到最後事件逐漸撥雲見日,以及最後掌握到了有利證據必須揭發時,全部的事件進行有泰半的時間與事件都是發生在那台租錯的休旅車上,這時,保羅沃克飾演的麥克竟成了電影劇情穿針引線最重要的中介者。
]]>看著2013年麥浚龍執導的殭屍,你一定會想起1985年的殭屍先生(或稱暫時停止呼吸)。因為殭屍一片中有著與殭屍先生太多似曾相似的元素,只是麥浚龍拍的殭屍,其意圖並不只是停留在致敬層面,而是除了緬懷過去外,又加入更多新穎的元素,於是,殭屍片在麥浚龍的新詮下,有了全新的動人風貌。
從過去經典汲取元素,一面能夠重溫經典,另一方面又能夠讓該電影的忠實影迷得以在新片中回憶過往的美好,其實是一大高招。在殭屍一片裡,至少就有著三樣元素承襲至最經典的殭屍電影─殭屍先生。
一是人物的設置,在殭屍先生戲裡,由林正英、錢小豪、許冠英所組成的師徒三人組絕對是最經典的道士組合,也因此只要提到殭屍片的始祖,總是不免會使人聯想到他們三位聯手出擊的經典組合。而在殭屍一片內,雖然師徒三人已無法重現大銀幕,但是麥浚龍卻把演員錢小豪以真實的角色(亦即扮演自己)帶入戲中,讓錢小豪是飾演自己本身,而非殭屍先生裡的秋生。雖然角色不同,但錢小豪的年紀與面容也早已不再是當年飾演秋生的稚嫩模樣,由他來飾演自己不但在殭屍片裡具有代表性,也更能夠從他的面容中看出他歷經演藝圈那載浮載沉、大起大落的滄桑感,光是在選角第一步,設置了錢小豪這個真實人物,就讓殭屍先有了寫實的力道。
]]>陰兒房2的驚悚程度證明了溫子仁已經完全掌握鬼片類型的肌理脈絡,並且再加上專屬於自己的敘事風格與元素,陰兒房2的成果已經昭告天下溫子仁已然成為此類電影的翹楚,有了他,即使使用的都是經典元素,延用的都是亙古不變的嚇人手法,可是在他巧妙的重新排列組合後,驚嚇度並未減低反而加倍,甚至是延伸的續集,都能夠有聲有色,溫子仁在這方面所下的功夫與養成的影像魅力真的不可小覷。
陰兒房第二集的驚嚇度與恐怖度比起第一集而言是有過之而無不及,更難得可貴的是續集承襲了第一集的世界觀,但並未被侷限在第一集的框架中,即使從回顧前作的內容中,便可發現在劇情方面第二集的劇情還是與第一集有著密切的關聯,可是沒有第一集的基礎架構,就無法累進第二集的恐怖加乘,編劇更高超是這兩集在連結的部分撐起了劇情的張力,彰顯了劇情的密度,第二集的精采程度絕對不亞於第一集,反而因為第一集的佈局,讓第二集有了更佳的嚇人效果。
]]>聯合國將10月27日訂為世界影音遺產日,為此,今年10月27日,國家電影資料館將在全台一百多家戲院聯映一場1967年由胡金銓導演所執導的龍門客棧數位修復版,藉此呼籲國人重視電影資產。
無論這次龍門客棧數位修復版聯映的票房成績如何(全台僅有一個時段,每個戲院僅有一個場次),我認為這個活動的立意是良好且值得延續的,因為鑑往才能知來,沒有過去老電影的經驗傳承與累積,怎麼會有今日的創新與進步?即使台灣電影曾經在時代的邁進中沉寂了好一陣子,但自從海角七號重新喚起了國人對國片的熱愛後,國片的起勢也慢慢的讓創作者願意嘗試與開發出各種不同類型的電影,國片市場的復甦在沒有國家政策保護的情況下,正如作家九把刀所說的:台灣的電影,正因為沒有保護機制,所以強壯得更扎實。
重新上映數位修復的老電影,一方面能夠以更清晰的畫質呈現給觀眾,同時也能夠讓影迷在戲院裡重溫經典電影的美好,而這份美好除了提供忠實影迷外,也可以讓未參與到經典電影在戲院上映那段時期的年輕影迷有一睹其丰采的機會,畢竟,在影廳觀賞電影與在電視上觀賞DVD的體驗是截然不同的感受。
]]>每個演員都不希望被定型,能夠在自己的演藝生涯挑戰各種不同的角色,並都能成功的詮釋,博得觀眾的喝采,那絕對是身為一個演員最無上的榮耀。當然,也有一些演員無須開創不同型態的表演就能夠有著一定市場存在,譬如說:傑森史塔森、馮迪索等…,並非是他們不好,而是他們光靠著重複的戲路就能夠顛倒眾生,只要靠著一種表演方式,就能夠在廣大的娛樂市場中佔有一席之地,那是明星的光環也是他們與生俱來的魅力。
克里斯漢斯沃在2011年接演了漫威英雄漫畫裡的雷神索爾一角後開始聲名大噪,知名度也因為飾演雷神這部電影而廣為人知。但是,一般人想到他,第一個反應就是他是雷神,雷神已成為克里斯漢斯沃在好萊塢的正字標記,這是一份榮耀,同時也是詛咒,觀眾群在觀賞他接下來接演的別部電影,都會以雷神的角色先入為主的去認定他,也因此要能夠再有其他的代表作,勢必有其難度。
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激戰:勇者不敗備齊了商業動作電影所應具備的各項元素,且讓電影的層次不只停留在拳拳到肉的視覺觀感上,劇情的轉折與鋪陳同樣也給予觀眾不小的反覆咀嚼空間。
激戰基本上是兩部電影,上半部敘說的是家庭,下半部敘說的是人生,而將兩部電影合而為一的元素是自由格鬥(MMA)。不採用單一主角的敘事角度,除了可以增加戲劇密度外,也讓兩位主角的心境與行動有了鮮明的對比,激戰:勇者不敗的魅力就在於讓好戲不再只是專屬於個人,而是兩者之間相互影響後所產生的花火。
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整部電影的色彩風格由黑色與棕色組成。簡單來說,場景要嘛就是塵土飛揚,要嘛就是黑壓壓得什麼都看不見,馮迪索不曉得是最近太紅了還是怎樣,沒事硬要再去找一個九年前拍過的題材並再延伸故事續集?完全沒必要性吧?
而闇黑對決這部近逼兩個小時的續集電影,就是馮迪索所飾演的Riddick想逃離這個又黑又棕又把他困住的星球,結束!就這樣。然後再加上一隻不知道是斑馬還是野狼的獵狗,一群像蠍子又像異形的怪蟲,乒乓響的就拍出第三集的Riddick,老實說,能拍出來不只讓人無言,甚至還是個傳奇了。
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姑且不論飾演波西傑克森的羅根勒曼剪了一頭俐落,但比第一集造型硬是拙了幾十倍的短髮髮型。因為劇情發展實在是太過於簡單了,可能觀眾正才準備要進入正邪最後大戰的戲碼,但是卻突然間「啵」的一聲,波西一劍就把超強大的泰坦王克羅諾斯給秒掉了,這麼一個需要由奧林帕斯三大神祇(宙斯、波塞頓、黑帝斯)聯手才能封印起來的魔怪,波西傑克森一劍就清潔溜溜,真不曉得是波西太強還是編劇太強?
拯救奧林帕斯的責任全都擔在一個海神波塞頓在凡間與人類生的混血人身上?真不曉得奧林帕斯山上的神是都死掉了還是都跑去凡間生孩子了?反正只要有混血人就夠了嘛,還需要這些神幹嘛呢?編劇應該是這麼想的吧,畢竟真的在第二集中,奧林帕斯的三大神真的出現半秒都沒有,只有出現一些光啊或水稍微波動稍微隱喻一下表示原來奧林帕斯山上的神他們還是存在的。
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但不可忽略的是片中充斥著大量男性沙文主義及父權思想。從法蘭克蠻橫專制的行為實在很難讓人不去注意到,光是他可以與前女友光明正大的在正牌女友前接吻,但女友為了脫險不得不與俄國軍官接吻時,法蘭克就大為光火怒揍俄國軍官以示其醋意與洩恨,另外,還有只要不聽法蘭克的指示,就會遭殃;不遵從法蘭克的處置,就會完蛋!而能夠拯救世界的也只有最不服老的退休特務法蘭克了,女主角還果真還再次淪為在乒乓聲響槍戰中的花瓶了!
不過,超危險特工2還是有其可觀之處,動作場面的使用及調度也真是有模有樣,也不枉費布魯斯威利飛天遁地又賣老命了,可是,最令人不解的是,為何李秉憲的角色配置與故事幾乎像是完全從G.I.JOE 2裡複製過來的?我實在是沒有辦法接受反派毫無理由被喚起良知就直接變成好人這種爛戲碼啊!
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另外,厲陰宅另一個高明之處在於同時間有兩個家庭涉入電影裡最主要的靈異事件。雖然創作靈感來自於真實事件或許免去不少必須自創的元素,但是相對的,改編自真實事件反而更增添了電影的可看性,在加上秉持著許多靈異現象皆可以用科學概念來解釋的華倫夫婦在面臨到了此次的案件時,無法用物理法則來加以假釋的現象,讓每一項在面對惡靈的設置與說明都提供了信服的基礎,同時也加深了電影裡惡靈存在的恐怖氛圍;而首次面對惡靈的羅傑一家人則是以受害者的形象去強化了惡靈的邪惡程度,明明是和樂溫馨的一家人,卻只因為誤打誤撞買到了凶宅,差點因惡靈附身導致家庭破碎。
兩個不同的家庭在各自不同扮演的角色上各有其發揮之處。還有,更厲害的是,這兩個家庭除了角色的不同,地域同時也是厲陰宅最出色的劇情設計,在電影開頭裡看似只是開場秀的安娜貝爾娃娃,再被收服後擺置華倫夫婦的家中,竟然在劇情進行至一半時,再經由陰宅內的惡靈喚醒並威脅著華倫夫婦的女兒,此段的設計也是厲陰宅另一個駭人又驚恐的亮點。
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